Dream Theater spielen demnächst in Berlin und ich nehme das jetzt einfach mal als unkreativen Aufhänger dafür, endlich mal die Rezension ihrer letzte Platte Black Clouds & Silver Linings nachzuholen.

CD rein, los gehts. „A Nightmare to Remember“: Donner, Regen, Geatme. Jaja, wieder eines dieses bedeutungsschwangeren Prog-Intros. Klaviergeklimper. Sag ich doch. Auf einmal machts Krach. Das wäre an sich nicht besonders überraschend, im Gegenteil. Aber die Art, wie es dort Krach macht, ließ mich beim ersten Hören daran zweifeln, ob hier wirklich die neue Dream Theater im Laufwerk liegt oder nicht doch das letzte Werk von Cradle of Filth. Somit gibt es schon mal einen Überraschungsbonus für die Herren. Leider geht das nicht so weiter. Denn was danach kommt, ist zwar kein „nightmare“, aber auch nicht wirklich „to remember“. DT-Standardkost. Vielleicht etwas härter als normal, aber alles in allem nicht weltbewegend. Jordan Rudess sollte sich dringend was Neues für seine Soli einfallen lassen.

Was ich von „A Rite of Passage“ halte, habe ich schon mal zu Papier äh Bildschirm äh Festplatte gebracht. Mehr Worte kann man über diesen Song auch wirklich nicht verlieren. Skip.

Es folgt die zweite Single „Wither“, die ein gut gemachter Kuschelsong inklusive Heldensolo ist und damit an „Another Day“ erinnert. Prog ist das nicht, aber dafür ist es umso schöner zu sehen, dass DT auch mal ‘normal’ können.

Mit „The Shattered Fortress“ kommt der Abschluss der AA-Saga (AA=Anonyme Alkoholiker), in der Drummer Mike Portnoy seiner Erfahrung mit dem Alkoholismus und der Loslösung von ihm verarbeitet. Wie sich das für den letzten Teil einer solchen Suite, die als Ganzes in etwa CD-Länge haben sollte, gehört, wird hier noch mal kräftig alles Mögliche aus allen  vorangegangenen Episoden verwurstet. Wie ich finde, durchaus gekonnt. Mag sein, dass das Stück nervig zusammengestückelt klingt, wenn man die vorhergehenden Teile nicht kennt. Aber im Gesamtzusammenhang passt das. Herr Petrucci zaubert mal wieder ein exzellentes Solo hin und das Ende, an dem nochmal das erste Glass-Prison-Thema erklingt, erzeugt mir nach wie vor noch jedes Mal Gänsehaut.

„The Best of Times“ ist der Nachruf von Portnoy an seinen Vater. Ich weiß ehrlich gesagt nicht so ganz, was ich dieser permanenten Ausschlachtung des eigenen Privatlebens für Songtexte halten soll. Nun ist es ja ganz schön, dass auch Progger nicht nur über Einhörner und Science-Fiction singen, aber das heißt noch nicht unbedingt, dass man den Hörer willentlich zum Voyeuristen machen sollte, schon gar nicht mit so direkten, unmissverständlichen Texten. In Bezug auf die Texte haben DT die leisten Töne wahrlich seit geraumer Zeit abgelegt. Waren Klassiker wie Metropolis, Learning to Live und Voices noch durchaus kryptisch und bedurften einiges Interpretierens, so regiert jetzt der Holzhammer. Andererseits muss ich zugeben, dass die Texte nun wahrlich nicht das zentrale Element des Dream Theater’schen Stils sind. Der Song selbst ist zwar lang, kommt aber ohne allzu großen instrumentalen Schnickschnack aus. Häufig sind Anklänge an Rush zu hören. Insgesamt merkt man hier besonders dass DT mittlerweile mehr Wert auf eingängige Melodien legen, die in verschieden Gestalten im Song wieder auftauchen. Das unterscheidet sich schon von dem Stückwerk der Anfangstage, wobei „Stückwerk“ hier gar nicht negativ gemeint sein soll, so hatten eben die Anfangstage einen Charme à la „Fünf vollkommen verrückte Virtuosen füllen viele Frickeleien in  fürchterlich lange Stücke“, während man jetzt merkt, dass die Herren deutlich arrivierter sind und ihre Ideen lieber etwas mehr auskosten, anstatt direkt zur nächsten zu springen.

Der Höhepunkt von Black Clouds & Silver Linings folgt dann am Schluss. „The Count of Tuscany“ gefällt mir wirklich von Anfang bis Ende. Das Ding ist rund, hat Spannung, Melodien und verrückte, aber dennoch geschmackvolle Instrumentalabfahrten. Das macht Spaß, davon darf es auch in Zukunft mehr geben.

Nach eher schwachem Beginn wird Black Clouds & Silver Linings dann also doch noch zum guten Album, das zwar nicht  an alte Glanztaten (scheiße, jetzt rede ich auch schon wie einer von diesen verknöcherten Rezensenten) heranreicht, aber dennoch einige sehr starke Stücke zu bieten hat. Etwas Anderes hätte vermutlich auch niemand erwartet, schade eigentlich, denn ich fände es sehr erfrischend, wenn DT mal wieder mehr wagen würden. (Es muss ja nicht gleich Zeuhl sein)

Wenn man auf Reisen im Ausland ist, ja das ist toll, da kann man die öffentlichen Verkehrsmittel benutzen und sich munter in seiner eigenen Sprache über die Mitfahrer aufregen, ohne Sanktionen zu fürchten. Das dachten sich wohl auch die beiden Französinnen, die heute mit mir in der S-Bahn standen. Doof nur, dass Französisch doch auch von dem ein oder anderen Deutschen verstanden wird. Ich konnte mir jedenfalls das Lachen ob der Unbedarftheit der beiden Damen, mit der sie ihre Kommentare äußerten, kaum verkneifen. Zunächst quittierten sie das Herumgehopse eines kleinen Jungen nur mit einem „Je déteste les gamins“ – Kinder mochten sie also nicht. Als sie besagtes Kind kurz darauf an einen nebenan stehenden Hund verfüttern wollten, musste ich mich wirklich wegdrehen, um nicht durch ein Grinsen zu verraten, dass die beiden Damen nicht die Einzigen im Zug waren, die mit Französisch etwas anfangen konnten.

Und ich fragte mich nur noch, was lustiger ist: Sich zu erkennen geben und auf die beschämten Reaktionen warten, oder still zuhören und sich innerlich totlachen, immer ein „Wenn die wüssten“ im Hinterkopf.

Jetzt ist mir aber doch tatsächlich noch ein schöner Fripp-Aphorismus untergekommen:

Music is the cup which holds the wine of silence.
Sound is that cup, but empty.
Noise is that cup, but broken.

Wie dazu wohl die analoge Vista-Fehlermeldung lauten würde?

Dass man mitunter ein Virtuose sein muss, um Betriebssysteme von Microsoft zu bedienen, wusste ich ja schon, aber dass sich Microsoft für die klangliche Untermalung  eines besonders schwergängigen Stückes Software, nämlich des scheidenden Windows Vista, auch virtuose Sounduntermalung geholt hat, ließ mir gerade fast die Kinnlade auf die Tastatur fallen.

Robert Fripp, ja DER Robert Fripp, treibende Kraft hinter dem Prog-Dinosaurier King Crimson, hat Systemssounds für Windows Vista kreiert. Wer es nicht glaubt: Hier und hier gibt es die entsprechenden Videos.

Nun ja, auch Herr Fripp soll ja so seine Marotten haben. Von daher liegt beides wohl näher als man glaubt. Schwergängig und kompliziert sind seine Stücke allemal und um die Windungen eines guten Crimson Songs nachvollziehen zu können, ist wohl ein ähnliches Maß an Erfahrung nötig, wie für das Verfolgen der Irrungen und Wirrungen diverser Microsoft-Programmierer (Ich frage mich gerade, ob es bei MS auch Programmiererinnen gibt. Weiß da jemand mehr?). Im Übrigen haben Fripps berühmte Aphorismen auch eine gewisse Ähnlichkeit mit Windows-Systemmeldungen. Da schließt sich doch der Kreis. Aber auch nur fast. Denn irgendwie macht Crimson (Fripps Solo-Ergüsse sind mir leider unbekannt) deutlich mehr Spaß als Windows Vista.

Wie ich ausgerechnet jetzt darauf komme? Nun, ich hörte gerade das erst gestern erworbene großartige Live-Album The Great Deceiver der 73/74er Crimson-Inkarnation, wollte mich auf Wikipedia etwas zu Herrn Fripp bilden und schon stolperte ich über diese unerwartete Information.

Eine Frage treibt mich jetzt noch um. Wenn Fripp (fast) so wie Vista ist, welcher Musiker ist dann wie Ubuntu? Mein erster Vorschlag: John Myung. Dezent im Hintergrund, aber doch äußerst virtuos. Andere Vorschläge?

Traurig ist es, wenn Leute betteln müssen, um ihren Lebensunterhalt zu bestreiten. Lustig ist es hingegen, wenn man denjenigen, die gerade noch vor der Supermarkttür geschnorrt haben, kurz darauf an der Kasse begegnet, wo sie ihre zwei Oettinger mit EC-Karte bezahlen wollen. Dumm nur, dass in meinem Stammsupermarkt die EC-Zahlung erst ab 5 Euro Warenwert möglich ist. So musste die junge Punk-Frau, der genau das letztens in meiner Gegenwart passierte, scheinbar unverrichteter Dinge von dannen ziehen. Doch so schnell ließ sie sich natürlich nicht in die Flucht schlagen, denn draußen stand ja noch ihr Kumpel, der offenbar die Tageseinnahmen verwaltete und dementsprechend liquide war. So konnte sie dann, mit dem nötigen Kleingeld ausgestattet, wieder an die Kasse zurückkehren und endlich ihr wohlverdientes Oettinger bezahlen, über das sich in der Zwischenzeit schon fast ihr Kassenschlangennachfolger hergemacht hätte. Als sie dann, den lang ersehnten Schatz in den Händen, den Supermarkt verließ, hörte ich sie nur in bewusst deutlich vernehmbarer Lautstärke maulen: „Hat sich nich ma entschuldigt.“ Denn offenbar hat sie die 5-EUR-Grenze als schweren Einschnitt in ihre Persönlichkeitsrechte betrachtet.

Und wo wir gerade bei lustigen Punks sind: Ich konnte meinen Ohren kaum trauen, als, vor einer ganzen Weile schon, ein Punk in der U-Bahn laut die im Berliner Fenster angezeigten Währungskurse kommentierte und dann einem Wachmann, der auf dem Weg nach Hause war, erzählte, dass er sein Geld bei günstigen Kursen immer in Zloty umtausche, um es dann, wenn die Kurse wieder gestiegen sind, in Euro zurückzutauschen. Da könne man richtig Gewinn machen.

Ich war mir nicht mal sicher, ob er das ironisch meinte…

Vor knapp einem Jahr hatte ich das Vergnügen, an einer Party im – sagen wir mal – sehr studentischen ST Club in Rostock teilzunehmen. Der Alkohol war saubillig und dementsprechend benahmen sich auch die Leute. (Ganz nebenbei, der Eintritt in Flip-Flops war untersagt, da man wegen der von Glasscherben übersäten Tanzfläche nicht für die Sicherheit so leicht beschuht Tanzender garantieren konnte). Die Zusammensetzung des Publikums entsprach im Wesentlichen der rockigen Musikauswahl, sodass man glücklicherweise von glitzernden, aufgetakelten und Parfümduft hinter sich herziehenden Hupfdohlen und Hupfdohlern verschont blieb.

Plötzlich, der Abend war schon forgeschritten, ertönte zwischen Nirvana und habichvergessen David Hasselhoffs „I’ve been looking for freedom“. Man hätte nun meinen können, dass  zumindest die härtere Fraktion fluchtartig das Lokal verlassen oder sich zumindest an die Bar begeben würde. Weit gefehlt: Kaum ertönten die ersten Takte des Stückes, strömten sicher 20 (es ist ein kleiner Club) dunkel gekleidete, langhaarige Metal-Fans auf die Tanzfläche und grölten mit erhobenen Armen den Text mit. Es schien, als hätten nicht mal Iron Maiden, Slayer, oder wie auch immer ihre Götter geheißen haben mögen, mehr Euphorie in ihnen ausgelöst. Nein, „I’ve been looking for freedom“ war zumindest für die anwesenden Metaller das Ereignis des Abends, das gebührend gefeiert werden musste.

Es war mitnichten so, dass der Tequila für 80 cent den Metalfans den Musikgeschmack verweichlicht hätte. Aber was trieb stattdessen die Herren und Damen (es waren vornehmlich Herren) dazu, statt aus Missmut aus Freude den Kopf samt der daran hängenden Haare zu schütteln? Die in ihrer Kompromisshaftigkeit so kompromisslose Poppigkeit des Stückes verbunden mit der unfreiwilligen Komik, die viele Popstücke aus längst vergangenen Dekaden aufgrund wechselnder Klangvorstellungen in den Tonstudios nunmal umgibt, übte auf die Metalheads wohl einen nicht widerstehbaren Reiz aus. Aber was macht denn nun genau diese Trashigkeit von „I’ve been looking for freedom“ aus? Warum erlangen bestimmte Musikstücke oder, weiter gefasst, bestimmte kulturelle Produkte Trash-Status und warum andere nicht? Ist die Komik besagten Liedleins ausschließlich auf den in letzter Zeit eher peinlich agierenden Hasselhoff zurückzuführen?

Fragen über Fragen. Doch damit nicht genug. Denn neben solchen diskursiven Zuschreibungen gibt es natürlich auch Trash, der von vornherein als solcher produziert wird. Zudem würde es mich nicht wundern, wen bei vordergründig ernst gemeinten Zuschauerbespaßungen wie „Deutschland sucht den Superstar“ ein gewisser Trash-Faktor mit einkalkuliert würde.

Dass Trash auch subversiv sein kann, weiß man allerspätestens seit South Park, eigentlich schon seit Monty Python’s Flying Circus, wobei gerade diese beiden Serien auch bewiesen haben, dass, um Trash mit vollem Gewinn zu degoutieren zu können, einiges an Grips und Diskurskenntnis notwendig ist; Eigenschaften, die im allgemeinen wohl eher der sogenannten Hochkultur zugeschrieben werden dürften.

Kurzum, Trash ist komplex und vor allem wahnsinnig spannend und interessant. Und jetzt kommt endlich das, weswegen ich diesen Beitrag schreibe: Denn zu eben genau diesem Thema organisieren derzeit einige Studierende aus der Fachschaftsinitiative Kulturwissenschaft der HU Berlin, zu denen auch ich gehöre, einen Essaywettbewerb, den wir sinnfälligerweise mit trash|culture betitelt haben. Teilnehmen können Studierende aller Fachrichtungen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Die Essays sollten zwischen 12000 und 15000 Zeichen lang sein. Auf die Gewinner warten eine Veröffentlichung sowie wertvolle Sachpreise von Splatting Image, Bertz + Fischer sowie Cinema Surreal. Alles weitere steht auf unserer Projektseite. Mitmachen und weitersagen!

Und wer noch eine weitere Anregung braucht: Hier habe ich mich inspiriert von den Vorbereitungen zum Wettbewerb schon mal zu einem Trash-Thema geäußert.

Abschließend gibt es noch weiteren Trash vom großartigen Jon Lajoie.

und

Wie ein Kind fühlte ich mich, unschuldig, unfähig, den eigenen Willen umzusetzen. Wie ein unmündiges Etwas, dem der Zugang zu enorm Wichtigen verwehrt wird. Der Wille war da, ein großes Potenzial, das sich angestaut hatte, doch versagte ob einer simplen Sperre. Ich konnte nichts tun, jeder Versuch, den Widerstand zu überwinden konnte nichts als fehlschlagen. Und doch versuchte ich es weiter. Das Gefühl der eigenen Ohnmächtigkeit im Rücken, gelang es mir nur gerade so, mich weiterhin für das fast Unvollbringbare, das Weitentfernte, außerhalb der Reichweite seiende, jenes Fast-Jenseitige zu motivieren. Ich versuchte es weiter und weiter, mit aller Kraft, jene eigene Unfähigkeit zu transzendieren, mich nicht den Zwängen hinzugeben, die andere über mich erlassen hatten. Andere, unbekannte Wesen, deren Machenschaften sich nur in der Materialität ihrer Hinterlassenschaften ablesen ließen. Ob sie diesen Moment vorausgesehen hatten, an dem ich, an meinen Fähigkeiten, meiner Mündigkeit zweifelnd und theoretisch doch zum Undenkbaren in der Lage beinahe den Glauben an mich verlor? Ob sie ihn gar bewusst, mit geschickten Winkelzügen vorbereitet hatten, kühl und berechnend in Kauf nehmend, ein Individuum damit in den Ruin zu treiben? Es wäre gut möglich. Doch das scheinbar ausweglose Unterfangen sollte unter größter Kraftanstrengung, unter dem Zusammennehmen meiner gesamten Kräfte und meiner Fähigkeit, als Individuum mein Schicksal selbst in die Hand zu nehmen, dann doch gelingen.

Ja ich gebe es zu:

Ich wäre soeben fast an der Kindersicherung meiner WC-Enten-Flasche gescheitert.

Über ein Joker-Wort der übelsten Sorte beschwerte sich Kollege Jarchow neulich:

Was dieses allgegenwärtige Wort ‚Modul’ eigentlich sei, wenn man sich darunter wirklich mal etwas vorstellen wolle, das verlangte ein Freund gestern zu wissen. Wir wälzten also diverse Nachschlagewerke und googelten uns dumm und dämlich, um zum Resultat zu kommen, dass es sich wohl um ‚ein kleines Irgendwas’ oder ein ‚Schrumpf-Dingsda’ handeln müsse. Auch ‘Baustein’ wäre eine halbwegs akzeptable Übersetzung.

Um ein wenig weiter dahinter zu kommen, begab  sich Jarchow auf den Pfad der Begrifssgeschichte und verfolgte die Geschichte des „Schrumpf-Dingsda“ von kurzgewachsenen Römern bis hin zum Bologna-Prozess. Doch halt: Auf dem Weg dorthin vergaß er eine äußerst wichtige Station: Denn nicht erst seit Bologna machen Module dem Verstand junger Menschen zu schaffen. Schon vor mehr als zehn Jahren gab es diese – nunja Band wollen wir sie nicht nennen – diesen ähem Techno-Act gleichen Namens, der sich mit Hits wie Computerliebe, Kleine Maus und 1100101 (soll ich jetzt NSFW dahinter schreiben?) anschickte, die Gehirne deutscher Teenager zu infiltrieren und nebenbei die deutschen Charts zu erobern.

So wie der Bologna-Prozess waren auch die Stücke von „Das Modul“ von großem Pioniergeist beseelt, erzählten sie doch herzerweichende Geschichten von damals (1995)  schwer im Kommen seienden Dingen wie Computer, Internet und Chat. Die Videos zeigen Menschen, die unverständliche Kommandos in hässliche (aber damals sicher  schrecklich modern wirkende) Benutzeroberflächen und Kommandozeilen großer grauer Kisten hacken. Auch die Texte spiegeln Geist der digitalen Frontier wieder: „Kleine Maus, ich klick dich an“, denn  „klicken“ klang damals noch ungewohnt und verströmte den Geruch von großer weiter Welt. Selbst die mittlerweile unsägliche „Datenautobahn“ hatte noch ihren Charme, auch wenn sie in damals meist wohl eher einem digitalen Trampelpfad entsprach. „Komm lass uns wie Binäre sein“, hier gesellt sich auch noch sprachlicher Pioniergeist dazu, die ungewöhnliche Substantivierung soll wohl das unablässige Ganz-oder-gar-nicht der digitalen Revolution untermauern, leider ohne Erfolg, mir zumindest ist dieses Wort nie wieder untergekommen.

Musikalisch bewegte man sich im damals angesagten Techno-Fahrwasser. Happy Hardcore nannte sich wohl im konkreten Fall  (daas lehrt uns zumindest Wikipedia). Auch der Aufbau der Stücke scheint arg modularisiert: Immergleiche Elemente werden immer wieder auf ähnliche Weise zu Stücken nahezu gleicher Länge kombiniert. Ja, das klingt tatsächlich nach „Schrumpf-Dingsda“-Baukasten. Und damit waren Das Modul näher an heutigen BA-Studiengängen, als man es gemeinhin wahrhaben möchte.

Anstatt  das Ausbleiben neuer, guter Auswüchse ihres Lieblings-Franchise zu betrauern, dachten sich einige us-amerikanischen Trekker: „Das können wir besser!“ und starteten 2000 die kostenlose, via Internet verbreitete Fanserie Hidden Frontier [via]. Bis 2007 drehten sie insgesamt 50 Episoden, ohne großes Budget, dafür aber mit umso mehr Enthusiasmus.

Wie es sich mittlerweile für eine gute SciFi-Serie gehört, besteht Hidden Frontier nicht aus den früher üblichen Komische-Spezies-der-Woche-Folgen oder Anomalie-des-Tages-Episoden, sondern weist einen durchgehenden Handlungsbogen auf: Die Serie handelt von der Crew der U.S.S. Excelsior, die auf der Raumstation Deep Space 12 im Orbit des aus Der Aufstand bekannten Planeten Ba’ku stationiert ist. Dreh und Angelpunkt der Serie ist der angrenzende, zunächst weitestgehend unerforschte Briar Patch, eine Region des Weltraums voller merkwürdiger Phänomene die erst nach und nach hervortreten.

Wer jetzt denkt „Super, auf gehts“ und in der Episodenübersicht auf Staffel 1 klickt, der bekommt zunächst einen Warnhinweis vorgesetzt. Man solle sich gut überlegen, ob man denn wirklich mit Staffel 1 anfangen wolle und stattdessen lieber erst mal in die Staffeln 6 oder 7 reinschnuppern wolle. Schließlich seien die ersten Folgen eben die ersten, und damit, zumal bei einer Amateurproduktion, weit davon entfernt, perfekt zu sein.

Ich habe mich diesem Hinweis gebeugt. Mein Rat an alle Interessierten ist aber: Lasst es bleiben. Denn da gerade die Folgen der 6. und 7. Staffel stark in den Gesamthandlungsbogen eingebunden sind, versteht man ohnehin fast nichts. Fangt von vorne an und seht gnädig über die Schweinenase des Doktors (keine Sorge, sie ändert sich später), die komischen Grey-Bösewichte in den schwarzen Mäntelchen (die kommen später nie wieder vor) und die nicht immer guten schauspielerischen Leistungen der Hauptfiguren hinweg und genießt die Show ungespoilert von Anfang bis Ende. Denn es lohnt sich.

Die ganze Serie über kann Hidden Frontier den Amateur-Look nicht ablegen. Nahezu alle Szenen entstanden mittels des Chroma-Key-Verfahrens, d.h. die Figuren agieren vor statischen Bildern, die das typischer Star-Trek-Mobiliar zeigen und selbst die Szenen auf Planeten sind weit davon entfernt, als schick bezeichnet werden zu können. Doch nie war mir das so egal wie bei Hidden Frontier. Erstens fällt der Look nach einigen Folgen gar nicht mehr auf und zweitens, deutlich wichtiger, machen die Geschichten ihn allemal wett. Hidden Frontier erzählt eine interessante, komplexe Story mit vielen Wendungen, die den Zuschauer sofort in ihren Bann zieht. Das Tempo ist durchweg hoch, die Folgen oft geschickt strukturiert, die Charaktere vielschichtig. Zudem wird des Öfteren die Moralität des Tuns der Sternenflottenoffiziere in Frage gestellt. Die Sternenflotte als die über jeden Zweifel erhabene Instanz, die moralisch allen anderen Gruppierungen im Universum überlegen ist, wird hier endgültig zu den Akten gelegt.

Auch ansonsten begibt sich Hidden Frontier in Bereiche vor, die nie eine Star-Trek-Serie zuvor gesehen hat. Dass die Frauenquote auf der Excelsior (und auch unter den Bösewichten) locker bei 50% und damit sicher um einiges höher als etwa noch auf der Enterprise D liegt, ist im Hinblick auf die Voyager, wo das schon ähnlich war, zwar noch erwähnenswert, aber nicht mehr außergewöhnlich. Dass sich im Laufe der Serie jedoch unter drei männlichen Crewmitgliedern eine Dreiecksbeziehung ergibt und sich auf der Excelsior kaum jemand daran stört, das war bisher zumindest bei Star Trek ein absolutes Novum. In der Tat wird das Thema Homosexualität von Hidden Frontier mit erfrischender Normalität und unprüdem Humor (Stichwort „ridges“) behandelt.  Damit setzt Hidden Frontier das utopische Potenzial fort, das Gene Roddenberry schon in den 60ern in die Serie legte, als er, was in den USA der damaligen Zeit unerhört war, eine schwarze Frau auf die Brücke setzte und diese sich dann auch noch mit dem Captain küssen ließ.

Kritisch könnte man lediglich anmerken, dass der Beziehungsaspekt (allgemein, nicht nur der homosexuelle)  im Laufe der Serie zeitweise etwas überbetont wird. So gut ich es finde, wenn man sieht, dass die Crewmitglieder lebendige Individuen sind und auch ein Leben nach dem Dienst haben; wenn sich mir der Eindruck aufzwingt, die Autoren wollten – übertrieben gesagt – jede/n mit jeder/m verkuppeln, dann wird es kritisch, aber glücklicherweise überschreitet Hidden Frontier diese Grenze nur selten.

Alles in Allem übertrifft, was Storyaufbau, Charaktere und – ich nenne es mal – ‘Gewagtheit’ betrifft, Hidden Frontier die Originalserien mehr als ein mal. Im Übrigen kommen auch humoristische und gar selbstironische Stellen nicht zu kurz. Fazit: Große Anschauempfehlung nicht nur für Star-Trek-Jünger.

Nachtrag: So viel zum Thema Selbstironie:

Kennt hier jemand noch Gaius Pupus? Jenen kleinen, merkwürdig laufenden Römer mit der dauerhaft gelangweilten Stimme aus Asterix erobert Rom, der den beiden Galliern ihre jeweils aktuellen Aufgaben vorliest und deren Erfüllung dann ordnungsgemäß auf einer Wachstafel abstreicht?

Ich muss jedes Mal an den denken, wenn ich endlich nach halbstündigem desorientierten Hin-und-Her-Steuer in meinem Supermarkt des Vertrauens (es ist ein Bolle) alles zusammen habe und dann endlich an der Kasse stehe. Die eine Kassiererin da hat haargenau die gleiche Stimme, spricht genauso dauergelangweilt und mit derselben Nasalität. Ich muss jedes Mal grinsen und -ja-  fühle mich an meine Kindheit erinnert. Denn schließlich war und schätzungsweise auch ist Asterix erobert Rom der Film, den ich am häufigsten in meinem Leben gesehen habe.